Nacido de Ernst Klimt, un grabador de oro originario de Bohemia, y Anna Finster, una aspirante a intérprete musical pero sin éxito, Gustav Klimt fue el segundo de siete hijos criados en el pequeño suburbio de Baumgarten, al suroeste de Viena. La familia Klimt era pobre, ya que el trabajo era escaso en los primeros años del Imperio Habsburgo, especialmente para los grupos étnicos minoritarios, debido en gran parte a la caída del mercado de valores de 1873.
Entre 1862 y 1884, los Klimt se mudaron con frecuencia y vivieron en no menos de cinco direcciones diferentes, siempre buscando viviendas más baratas. Además de las dificultades económicas, la familia experimentó muchas tragedias en casa. En 1874, la hermana menor de Klimt, Anna, murió a la edad de cinco años tras una larga enfermedad. Poco después, su hermana Klara sufrió un colapso mental tras sucumbir al fervor religioso.
A una edad temprana, Klimt y sus dos hermanos Ernst y Georg mostraron evidentes dotes artísticas. Gustav, sin embargo, fue señalado por sus profesores como un dibujante excepcional mientras asistía a la escuela secundaria. En octubre de 1876, cuando tenía catorce años, un pariente lo animó a tomar el examen de ingreso a la Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena, y lo aprobó con distinción. Más tarde dijo que tenía la intención de convertirse en maestro de dibujo y ocupar un puesto docente en una Burgerschule, el equivalente vienés del siglo XIX de una escuela secundaria pública básica, a la que había asistido.
Klimt comenzó su formación formal en Viena mientras la ciudad atravesaba cambios significativos. En 1858, el emperador Francisco José I ordenó la destrucción de los restos de las antiguas murallas defensivas medievales que rodeaban la parte central de la ciudad, dejando un gran espacio circular que fue remodelado como una serie de amplios bulevares conocidos como Ringstrasse ("calle circular "). Durante los siguientes treinta años, la Ringstrasse se llenó de árboles y grandes edificios de apartamentos burgueses, así como de muchos edificios nuevos para albergar diversas instituciones gubernamentales cívicas e imperiales, incluidos teatros, museos de arte, la Universidad de Viena y el edificio del Parlamento austríaco. Junto con el ferrocarril municipal recién construido, la llegada de farolas eléctricas y los ingenieros de la ciudad desviando el río Danubio para evitar inundaciones, Viena estaba entrando en una Edad de Oro de la industria, la investigación y la ciencia, impulsada por los avances modernos en estos campos.
El plan de estudios y los métodos de enseñanza de la Kunstgewerbeschule eran bastante tradicionales para su época, algo que Klimt nunca cuestionó. A través de una formación intensiva en dibujo, se encargó de copiar fielmente decoraciones, diseños y vaciados en yeso de esculturas clásicas. Una vez que demostró su valía en este sentido, sólo entonces se le permitió dibujar figuras del natural. Klimt impresionó a sus instructores desde el principio y pronto se unió a una clase especial centrada en pintura, donde mostró un talento considerable para pintar figuras vivas y trabajar con una variedad de herramientas. La formación del joven artista también incluyó un estudio detallado de las obras de Tiziano y Peter Paul Rubens. Klimt también tuvo acceso a la riqueza de pinturas del maestro español Diego Velázquez del Museo de Bellas Artes de Viena, por cuyo trabajo desarrolló tal afición que más adelante en su vida, Klimt comentó: "Sólo hay dos pintores: Velázquez y yo".
Klimt también se convirtió en un gran admirador de Hans Makart (el pintor histórico vienés más famoso de la época), y particularmente de su técnica, que empleaba efectos dramáticos de luz y un evidente amor por la teatralidad y la pompa. En un momento dado, cuando aún era estudiante, Klimt presuntamente sobornó a uno de los sirvientes de Makart para que lo dejara entrar al estudio del pintor para que Klimt pudiera estudiar las últimas obras en progreso.
Poco antes de abandonar la Kunstgewerbeschule, a la clase de pintura de Klimt se unieron su hermano menor Ernst y un joven pintor llamado Franz Matsch, otro talentoso artista vienés que se especializaba en obras decorativas a gran escala. Klimt y Matsch terminaron sus estudios en 1883 y juntos alquilaron un gran estudio en Viena. A pesar de esta medida y de su éxito inicial, Klimt mantuvo su residencia con sus padres y sus hermanas supervivientes. Klimt y Matsch pronto se convirtieron en artistas muy solicitados entre la élite cultural de la ciudad, incluidos arquitectos destacados, figuras de la sociedad y funcionarios públicos. Ya en 1880, Klimt y Matsch fueron recomendados por su profesor de pintura, Ferdinand Laufberger, para realizar un encargo de cuatro pinturas en nombre de un estudio de arquitectura vienés especializado en diseño de teatro.
A pesar de la demanda, el pago por los servicios de Klimt y Matsch no resultó lucrativo. Cuando a Klimt, su hermano Ernst y Matsch se les encomendó el trabajo de decorar la gran escalera del nuevo Burgtheater, el trío descubrió que su encargo no cubriría los costos de contratación de modelos, por lo que reclutaron a amigos y familiares. Hoy en día se pueden ver a las hermanas de Klimt, Hermine y Johanna (junto con los tres artistas) entre los espectadores del teatro de Shakespeare, mientras su hermano Georg interpreta al Romeo moribundo. Por cierto, este es el único autorretrato de Klimt que se conserva.
A finales de 1892, tanto el padre de Gustav, Ernst Klimt, como su hermano menor, Ernst, habían muerto, este último repentinamente a causa de un ataque de pericarditis. Estas muertes afectaron profundamente a Gustav, quien ahora quedó financieramente responsable de su madre, sus hermanas, la viuda de su hermano y su hija pequeña. La viuda de su hermano Ernst, Helene Flöge, con quien estuvo casado apenas quince meses, y su familia de clase media tenían casas tanto en la ciudad como en el campo, donde Klimt se convirtió en un huésped frecuente. Klimt pronto comenzó una amistad íntima con la hermana de Helene, Emilie Flöge, que duraría el resto de su vida y serviría de base para uno de sus retratos más famosos.
El ritmo de trabajo de Klimt se ralentizó tras la muerte de su hermano y su padre. El artista también comenzó a cuestionar las convenciones de la pintura académica, lo que resultó en una ruptura entre Klimt y su socio de toda la vida, Matsch. En 1893, el Comité Asesor Artístico del Ministerio de Educación se acercó a Matsch para pedirle que decorara el techo del recién construido Gran Salón de la Universidad de Viena. Klimt finalmente se unió al proyecto (ya sea a petición de Matsch o del Ministerio), pero esta colaboración sería la última entre los dos hombres.
Se le pidió a Klimt que realizara tres grandes pinturas para el techo del Gran Salón de la universidad, incluidas Filosofía (1897-98), Medicina (1900-01) y Jurisprudencia (1899-1907). Para sorpresa de sus comisarios, Klimt optó por emplear para estas pinturas un simbolismo muy decorativo y difícil de leer, marcando así un giro significativo en su actitud hacia la pintura y el arte en general. Surgió una importante controversia sobre las pinturas universitarias de Klimt, especialmente debido a la desnudez de algunas de las figuras de la Medicina , y en parte a las acusaciones de que el tema era vago. Las pinturas de la Universidad nunca se instalaron y, tras la controversia, Klimt decidió no volver a aceptar nunca más un encargo público.
El trabajo de Klimt sobre las pinturas de la Universidad de Viena coincidió con un cisma más amplio dentro de la comunidad artística de Viena. En 1897, junto con varios otros artistas y diseñadores modernos, renunció a su membresía en la Kunstlerhaus, la principal asociación de artistas de Viena, de la que Klimt era miembro desde 1891. La Kunstlerhaus controlaba el principal lugar de exhibición de arte contemporáneo en la ciudad. y Klimt y sus compañeros modernistas se quejaron de que se les negaba los mismos privilegios de exhibir obras allí porque la Kunstlerhaus, que aceptaba una comisión sobre las obras expuestas allí, favorecía las obras conservadoras más vendidas.
La cohorte modernista se reagrupó inmediatamente para fundar la Secesión de Viena (también conocida como Unión de Artistas Austriacos) en 1897. Junto con Klimt, el grupo incluía a Josef Hoffmann , Koloman Moser y Joseph Maria Olbrich . Klimt fue nombrado presidente fundador de la Secesión. Sus principios fundacionales fueron los siguientes: brindar a los artistas jóvenes y no convencionales una salida para mostrar su trabajo; exponer Viena a las grandes obras de artistas extranjeros (en particular, los impresionistas franceses, algo que la Kunstlerhaus no había logrado); y publicar un periódico, eventualmente titulado Ver Sacrum ("Primavera Sagrada"), que tomó su nombre de la tradición romana de que las ciudades enviaran a las generaciones más jóvenes de sus ciudadanos por su cuenta a fundar un nuevo asentamiento.
La Secesión rápidamente estableció su presencia en la escena artística de la ciudad a través de una serie de exposiciones, en cuya organización Klimt desempeñó un papel importante. Muchos de ellos presentaban obras de artistas contemporáneos extranjeros que se convirtieron en miembros correspondientes del grupo. Las exposiciones recibieron una gran aclamación del público y provocaron sorprendentemente poca controversia, dado que los vieneses tenían poca o ninguna exposición al arte moderno. En 1902, los secesionistas celebraron su decimocuarta exposición , una celebración del compositor Ludwig van Beethoven, para la cual Klimt pintó su famoso Friso de Beethoven , una obra masiva y compleja que, paradójicamente, no hacía referencia explícita a ninguna de las composiciones de Beethoven. Más bien, fue visto como una alegoría compleja, lírica y muy ornamentada del artista como Dios.
Aunque la Secesión se dedicó a la idea de Gesamtkunstwerk , o el entorno diseñado completa y armoniosamente, intentó mantener el arte por encima del ámbito de las preocupaciones comerciales, lo que resultó problemático para sus miembros, sobre todo los artistas decorativos, cuyo trabajo en el diseño de objetos útiles Exigía una salida comercial para tener éxito. En 1903, dos de sus miembros destacados, Josef Hoffmann y Koloman Moser, formaron una nueva organización, la Wiener Werkstätte, dedicada a la promoción y diseño de artes decorativas y arquitectura para tales fines. Klimt, que era cercano a Hoffmann y Moser, colaboraría posteriormente en varios de los proyectos del Werkstatte, en particular el friso gigante pintado con múltiples paneles del árbol de la vida para el Palais Stoclet en Bruselas, el mayor Gesamtkuntswerk producido por el Werkstatte. entre 1905-10.
En 1905, Klimt y varios de sus asociados dimitieron de la Secesión de Viena debido a un desacuerdo sobre la asociación del grupo con galerías locales, que no eran especialmente fuertes en Viena, para comercializar su arte. A pesar de tener su propio espacio de exposición, los secesionistas todavía se veían afectados por la falta de un lugar sistemático para completar la venta de sus obras. El Klimtgruppe (como se conocía a Klimt y sus seguidores, incluidos Moser y Josef Maria Auchentaller) propuso que la Secesión comprara la Galería Miethke, pero fue rechazado por un voto cuando la sugerencia se presentó a los miembros, ya que la oposición deseaba mantener la Secesión. totalmente separada de los intereses comerciales. La dimisión del Klimtgruppe destripó la secesión de sus miembros más destacados a nivel internacional; sin embargo, en los años transcurridos desde entonces se ha reinventado muchas veces, coincidiendo a menudo con cambios de liderazgo, y hoy sigue siendo la única sociedad austriaca dirigida por artistas dedicada a la promoción del arte contemporáneo.
En la década comprendida entre 1898 y 1908, mientras trabajaba como miembro de la Secesión y en los encargos de la Universidad, el estilo personal de Klimt, que combinaba ricamente elementos de las eras premoderna y moderna, alcanzó su plena maduración. Produjo varias de sus obras más famosas durante estos años que juntas ahora componen su "Fase Dorada", llamada así en gran parte debido al uso extensivo de pan de oro por parte de Klimt. Estas pinturas incluyen Campo de amapolas (1907), El beso (1907-08) junto con los retratos Palas Atenea (1898), Judith (1901) y Adele Bloch-Bauer (1903-07). A pesar del respeto que hoy se les dispensa, la acogida en aquella época no siempre fue tan amable: un crítico, al ver Bloch-Bauer I por primera vez, bromeó diciendo que era "más blech que Bloch" (en realidad "blech" es la palabra alemana para estaño). Si a Klimt no le gustó la respuesta a sus pinturas, probablemente se alegró de que los críticos nunca llegaran a ver sus cuadernos de bocetos, ya que Klimt era en cierto modo el equivalente masculino de principios del siglo XX de la estereotipada dama loca de los gatos. Afirmó que la orina de gato era el mejor fijador, por lo que sus cuadernos de dibujo suelen estar cubiertos de ella.
En la última década de su vida, Klimt dividió gran parte de su tiempo entre su estudio y jardín en Heitzing, Viena, y la casa de campo de la familia Flöge, donde él y Emilie pasaban mucho tiempo juntos. Aunque sin duda existía un vínculo romántico entre ellos, se cree ampliamente que los dos nunca cedieron al deseo físico. Su cercanía, sin embargo, no suavizó la aversión de Klimt por el uso del lenguaje escrito: en una carta a Emilie, se frustró tanto que simplemente escribió: "¡Al diablo con las palabras!". Klimt fue igualmente conciso y poco elogioso cuando habló de los lugares que había visitado; En una visita a Italia, sólo pudo informar a Emilie que "hay muchas cosas patéticas en Rávena: los mosaicos son tremendamente espléndidos".
Durante estos veranos, Klimt produjo muchas de sus impresionantes (aunque frecuentemente subestimadas) pinturas de paisajes al aire libre , como El parque (1909-10), a menudo desde la posición ventajosa de un bote de remos o un campo abierto. Klimt tenía dos amores: la pintura y las mujeres, y su apetito por ambos era aparentemente insaciable. Como resultado, la vida personal de Klimt, sobre la cual se esforzó en ser discreto, se ha convertido en tema de considerable especulación entre críticos e historiadores, especialmente teniendo en cuenta los numerosos retratos de mujeres de Klimt. En muchos casos, no se ha llegado a un consenso sobre la relación de Klimt con determinadas mujeres; Si bien muchos informes confían en las relaciones íntimas de Klimt, otros, en parte debido a la falta de pruebas contundentes, dudan de que hubiera alguna relación romántica entre Klimt y esos mismos modelos.
Si bien Klimt no alteró su tema durante sus últimos años, su estilo pictórico sufrió cambios significativos. Eliminando en gran medida el uso de pan de oro y plata, y de la ornamentación en general, el artista comenzó a utilizar sutiles mezclas de colores, como el lila, el coral, el salmón y el amarillo. Klimt también produjo una asombrosa cantidad de dibujos y estudios durante este tiempo, la mayoría de los cuales eran de desnudos femeninos, algunos tan eróticos que hasta el día de hoy rara vez se exhiben. Al mismo tiempo, muchos de los retratos posteriores de Klimt han sido elogiados por la mayor atención del artista al personaje y una supuesta nueva preocupación por la semejanza. Estos rasgos son evidentes en Adele Bloch-Bauer II (1912) y Mada Primavesi (1913), así como en la extrañamente erótica The Friends (c. 1916-17), que retrata lo que parece ser una pareja de lesbianas: una desnuda y la otra. otros vestidos, sobre un fondo estilizado de pájaros y flores.
El 11 de enero de 1918, Klimt sufrió un derrame cerebral que lo dejó paralizado del lado derecho. Postrado en cama y sin poder pintar ni siquiera dibujar, Klimt se hundió en la desesperación y contrajo gripe. El 6 de febrero murió, una de las víctimas más famosas de la pandemia de gripe de ese año. Fue uno de los cuatro grandes artistas vieneses que murieron ese año: Otto Wagner, Koloman Moser y Egon Schiele, este último también víctima de la gripe. En el momento de su muerte, varias corrientes del arte moderno, incluidos el cubismo, el futurismo, el dadaísmo y el constructivismo, habían captado la atención de los europeos creativos. Para entonces, la obra de Klimt se consideraba parte de una era pasada en la pintura, que todavía se centraba en las formas humanas y naturales en lugar de una deconstrucción o una renuncia absoluta a esas mismas cosas.