Peter Paul Rubens, considerado el artista más influyente del Barroco flamenco, desarrolló un estilo que fusionó el realismo flamenco con las tradiciones del Renacimiento italiano, creando composiciones caracterizadas por un intenso movimiento, color vibrante, dramatismo y sensualidad, elementos centrales del movimiento barroco promovido por la Contrarreforma para exaltar la grandeza de la Iglesia Católica. Su obra, profundamente erudita, hace referencia a la historia clásica y cristiana, reflejando las preocupaciones culturales y religiosas de su tiempo. Produjo una amplia gama de trabajos, incluyendo retablos, retratos, paisajes, escenas de caza y pinturas de temas mitológicos y alegóricos, además de diseñar tapices para talleres flamencos, grabados y frontispicios para la editorial Plantin-Moretus en Amberes. También publicó en 1622 el libro "Palazzi di Genova", con ilustraciones de los palacios genoveses, que influyó significativamente en la difusión de este estilo arquitectónico en el norte de Europa.
Durante su estancia en Venecia en 1600, Rubens quedó inmediatamente impresionado por los ricos colores y las composiciones dramáticas de Tiziano, Veronese y Tintoretto, influencias que se reflejaron en su propio trabajo, especialmente en el uso de paletas vibrantes y disposiciones dinámicas. Su estilo maduro fue profundamente moldeado por Tiziano, mientras que en Roma, entre 1601 y 1608, se sintió atraído por el naturalismo de Caravaggio, copiando obras como "El entierro de Cristo" y recomendando al duque de Mantua la adquisición de "La muerte de la Virgen" (Louvre). También estudió esculturas clásicas, como el "Laocoonte y sus hijos", y escribió en una nota teórica que, para alcanzar la perfección artística, era necesario un entendimiento profundo de las estatuas clásicas, pero usándolas con juicio para evitar un efecto pétreo en la pintura. Sus retablos, como "La elevación de la cruz" (1610) y "La deposición de la cruz" (1611–1614) para la Catedral de Nuestra Señora en Amberes, combinan el realismo flamenco con la energía de Miguel Ángel y el uso del color de Tiziano, inspirándose en la Crucifixión de Tintoretto para la Scuola Grande di San Rocco en Venecia, destacando como ejemplos prominentes del arte religioso barroco.
Rubens es especialmente conocido por sus desnudos bíblicos y mitológicos, que enfatizan conceptos de fertilidad, deseo, belleza física, tentación y virtud. Sus desnudos femeninos, pintados en la tradición barroca, representan mujeres de cuerpos suaves y voluptuosos, que, desde una perspectiva moderna, pueden considerarse altamente sexualizadas, diseñadas para atraer a una audiencia mayoritariamente masculina de mecenas. Esta representación dio origen a los términos “rubensiano” o “rubenesco”, que describen figuras femeninas de formas generosas. En su ciclo a gran escala sobre Marie de Médicis, instalado en 1625 en el Palacio de Luxemburgo en París, incorporó arquetipos femeninos clásicos como la virgen, la consorte, la esposa, la viuda y la regente diplomática, elevando a las mujeres retratadas, incluidas las nobles de su tiempo, al mismo nivel de importancia que sus retratos masculinos. En contraste, sus desnudos masculinos representan hombres míticos o bíblicos altamente atléticos y de gran escala, a menudo parcialmente cubiertos con telas, armaduras o sombras, evitando la desnudez completa. Estas figuras, en posturas de torsión, alcance, flexión o agarre, transmiten acción física, a veces agresiva, y encarnan arquetipos de heroísmo, fuerza, valentía en la guerra y autoridad cívica, como el héroe, el esposo, el padre, el líder cívico, el rey o el guerrero agotado por la batalla, simbolizando al hombre como poderoso, capaz y convincente.
Rubens dirigía un gran taller en Amberes, un centro de producción que generaba pinturas muy demandadas por la nobleza y coleccionistas de toda Europa. Su taller producía tres tipos de obras: las pintadas íntegramente por él, las pintadas parcialmente por él (principalmente manos y rostros), y las copias supervisadas a partir de sus dibujos o bocetos al óleo. Según el testimonio de Otto Sperling en 1621, numerosos pintores trabajaban en diferentes obras a partir de dibujos en tiza con toques de color proporcionados por Rubens, quien añadía los toques finales con pincel y colores, considerando todas estas obras como propias, lo que le permitió acumular una gran fortuna y recibir regalos de reyes y príncipes. Este sistema, típico de la época, le permitió producir un volumen prolífico de trabajo, con un catálogo de 1.403 piezas, según Michael Jaffé, excluyendo las numerosas copias realizadas en su taller. Aunque no estaba obligado a registrar a sus alumnos en el Gremio de San Lucas como pintor de corte, se han identificado alrededor de 20 alumnos pathogenesis: alumnos o asistentes, como Jacob Moerman (alumno registrado), Willem Panneels y Justus van Egmont (asistentes registrados), y Anthony van Dyck, quien se formó con Rubens tras entrenar con Hendrick van Balen. Otros artistas asociados al taller incluyen a Abraham van Diepenbeeck, Lucas Faydherbe, Lucas Franchoys el Joven, Nicolaas van der Horst, Frans Luycx, Peter van Mol, Deodat del Monte, Cornelis Schut, Erasmus Quellinus el Joven, Pieter Soutman, David Teniers el Viejo, Frans Wouters, Jan Thomas van Ieperen, Theodoor van Thulden y Victor Wolfvoet (II), aunque no siempre es clara la distinción entre alumnos, asistentes o maestros independientes que colaboraban con Rubens.
Rubens colaboraba frecuentemente con especialistas, subcontratando elementos como animales, paisajes o naturalezas muertas en composiciones grandes. Por ejemplo, Frans Snyders contribuyó con el águila en "Prometeo encadenado" (c. 1611–1618), Paul de Vos pintó animales, y Jan Brueghel el Viejo, un amigo cercano, aportó elementos florales, enriqueciendo la complejidad de sus obras. Fue uno de los últimos grandes artistas en usar consistentemente paneles de madera como soporte, incluso para obras de gran escala, aunque también empleaba lienzos, especialmente para envíos a larga distancia, y pintaba sobre pizarra para retablos para reducir problemas de reflejos. En 1618, solicitó un privilegio triple para proteger sus diseños de grabados en Francia, los Países Bajos del Sur y las Provincias Unidas, trabajando con grabadores como Lucas Vorsterman, Paulus Pontius y Willem Panneels, y diseñando algunos de los últimos grabados en madera significativos antes de su renacimiento en el siglo XIX. Su pintura "Alegoría de la paz y la guerra" (1629, Galería Nacional, Londres), creada durante su estancia en Londres, refleja su preocupación por la paz, mientras que la "Asunción de la Virgen María" (1625–1626) para la Catedral de Amberes es un ejemplo destacado de su arte religioso barroco.
En su etapa tardía, Rubens exploró intereses más personales, especialmente en los paisajes pintados en su finca Het Steen, como "Vista de Het Steen por la mañana" (Galería Nacional, Londres) y "Campesinos regresando de los campos" (Galería Palatina, Palazzo Pitti, Florencia), que reflejan la tradición neerlandesa de Pieter Bruegel el Viejo. Sus pinturas de la década de 1630, como "El banquete de Venus", "Las tres gracias" y "El juicio de París" (Museo del Prado, Madrid), muestran la influencia de su segunda esposa, Helena Fourment, como modelo de figuras voluptuosas, inspiradas parcialmente en esculturas clásicas como la Venus Púdica. En "Helena Fourment con un abrigo de piel" (Het Pelsken), su esposa aparece modelada según estas esculturas, resaltando su enfoque en la belleza femenina. Rubens afirmó estar “por instinto natural, más capacitado para ejecutar obras muy grandes que pequeñas curiosidades”, lo que se reflejó en su enfoque en composiciones monumentales que le valieron reconocimiento en las cortes europeas. Como coleccionista y comerciante de arte, Rubens poseía una de las colecciones más grandes de arte y libros en Amberes, vendiendo objetos importantes, como a George Villiers, primer duque de Buckingham. Su carácter afable y su astucia comercial le permitieron cierta licencia poética en sus obras, en un contexto donde las pinturas estaban bajo escrutinio religioso para validar la importancia de la Iglesia. Como humanista educado clásicamente, encarnó el arquetipo del “pintor caballero”, elevando su vida al estándar de ocio y excelencia de sus mecenas, y consolidó, junto a Rafael, el concepto de un taller artístico próspero, un modelo influyente en la historia del arte.