Henri Lebasque desarrolló una producción pictórica amplia y variada, caracterizada por una constante atención a la luz, al color y a los ambientes íntimos y cotidianos. Su trayectoria lo vinculó desde sus inicios a los círculos parisinos de finales del siglo XIX, donde conoció de cerca a los representantes del impresionismo, del neoimpresionismo y de los Nabis, influencias que marcaron distintos aspectos de su obra. Desde sus primeras experiencias en París trabajó en encargos decorativos y en pinturas de caballete, y los años de formación en los talleres de Bonnat y Humbert le otorgaron una base académica que le permitió desenvolverse tanto en composiciones de gran escala como en escenas de la vida diaria. La colaboración con Ferdinand Humbert en la decoración del Panthéon y la cercanía con artistas como Signac o Luce lo expusieron a la investigación del color y la división tonal, pero también lo conectaron con la experimentación plástica que caracterizó a los últimos años del siglo XIX.
Sus primeras obras conocidas incluyen retratos, naturalezas muertas y paisajes de la región de Angers y de los alrededores de París, que muestran un interés por el entorno inmediato y una aproximación a la representación naturalista matizada por la observación de la luz. El contacto con Bonnard, Vuillard y otros integrantes del círculo Nabi lo llevó a adoptar un enfoque más decorativo en la disposición de las superficies y en el uso de las gamas cromáticas, y esa influencia se percibe en los interiores y escenas familiares que cultivó desde entonces. En paralelo, la amistad con Matisse y otros pintores de la generación fauvista lo familiarizó con un uso más libre e intenso del color, aunque su propia producción se mantuvo en un terreno intermedio, menos radical que el de aquellos, pero marcada por una sensibilidad cromática cada vez más abierta.
Durante los años en que participó en el Salon des Indépendants y en el Salon d’Automne, sus pinturas fueron reconocidas por su modo de conjugar el interés por la representación de la vida moderna con una atención especial a las atmósferas. Las fuentes señalan que en esos salones expuso tanto escenas de la vida urbana como paisajes y escenas domésticas, siempre con un equilibrio entre la descripción de lo visible y una simplificación que aligeraba las formas. La adquisición por parte del Estado de Le Goûter sur l’herbe en 1903 demuestra el reconocimiento que alcanzó en su tiempo, pues la obra representaba un tema cotidiano tratado con frescura, en un lenguaje plástico cercano al impresionismo pero ya encaminado hacia soluciones cromáticas más audaces.
Una parte significativa de su producción está compuesta por escenas familiares, con frecuencia ambientadas en interiores o jardines, en las que aparecen su esposa e hijas. Estas composiciones reflejan el interés del pintor por la intimidad y por la representación de momentos cotidianos de lectura, descanso o juegos, con un énfasis en la captación de la luz que penetra en los espacios domésticos. La crítica de su tiempo lo definió en ocasiones como un pintor de la vida íntima, en tanto que sus obras mostraban ambientes privados y serenos, en contraste con la grandilocuencia de otros géneros. La familiaridad de los modelos, sumada a la elección de entornos cercanos, le permitió construir un corpus en el que la temática cotidiana adquiría un carácter central.
Los paisajes constituyen otro núcleo importante de su obra. Desde finales del siglo XIX trabajó en la región de la Vendée, en Normandía y en Bretaña, y posteriormente en la Costa Azul y en la Provenza. Cada uno de estos lugares le ofreció motivos diferentes y le permitió estudiar variaciones lumínicas y cromáticas. En Bretaña registró vistas de ríos, aldeas y campos, con un trazo suelto que recuerda la práctica impresionista. En Normandía representó escenas de playa y marinas, mientras que en el sur de Francia incorporó una paleta más clara y cálida. Los inventarios museísticos señalan obras en las que se observa la transición hacia un colorido más luminoso, adaptado al ambiente mediterráneo.
El período de la Primera Guerra Mundial marcó un giro circunstancial en su producción. Por razones de salud no combatió, pero produjo pinturas que evocan el paisaje y las experiencias bélicas, como En Champagne o Le Trou de mine. Estas obras, expuestas en salones dedicados a los pintores de guerra, muestran una faceta excepcional en su trayectoria, caracterizada por una temática vinculada directamente al conflicto. Aunque no constituyen la parte más numerosa de su producción, testimonian su participación en la vida pública del momento y su adaptación a las circunstancias históricas.
Tras la guerra, Lebasque volvió a centrarse en los temas que habían definido su carrera: escenas familiares, paisajes y composiciones con figuras femeninas. La relación contractual con la Galerie Georges Petit entre 1918 y 1927 facilitó la difusión de estas obras y contribuyó a su presencia en colecciones particulares. En la posguerra, además, su obra comenzó a circular en galerías norteamericanas, donde se valoraban las representaciones luminosas y optimistas. El reconocimiento oficial quedó confirmado en 1925 con su nombramiento como oficial de la Légion d’honneur, mientras que su asentamiento definitivo en la Riviera reforzó su dedicación a los paisajes mediterráneos.
La luz del sur de Francia y los escenarios de la Costa Azul se convirtieron en motivos recurrentes de su pintura a partir de la década de 1920. Las vistas de jardines, terrazas y playas aparecen en numerosas obras, siempre con un tratamiento cromático que refleja la intensidad lumínica de la región. En Le Cannet, donde residió desde 1930 hasta su muerte, encontró un entorno propicio para continuar su exploración pictórica. El inventario de colecciones públicas registra piezas realizadas en este periodo que destacan por la claridad del color y por la serenidad de los motivos, rasgos coherentes con la continuidad de su estilo.
Los museos que hoy conservan obras suyas muestran la variedad de su producción: desde Coucher de soleil sur Pont-Aven del Museo Thyssen-Bornemisza, realizado en la década de 1890, hasta piezas posteriores como Sous la lampe en el Musée des Beaux-Arts de Nancy, donde se observa la evolución de su tratamiento de los interiores. El Wallraf-Richartz de Colonia conserva Une après-midi au parc, que representa escenas de descanso al aire libre. En conjunto, estos ejemplos atestiguan la amplitud de géneros que abordó, sin apartarse de la predilección por lo cotidiano y la atención a la atmósfera.
El conjunto de su producción se caracteriza por un tono coherente, en el que la búsqueda de la luminosidad y el interés por la vida familiar y los paisajes cercanos predominan sobre otras preocupaciones. Su proximidad con artistas de corrientes más radicales como los fauves o los nabis no derivó en una adopción estricta de sus métodos, sino en una incorporación selectiva de elementos que se adaptaban a su sensibilidad. La crítica contemporánea lo definió como un pintor de escenas íntimas y de atmósferas claras, valorando esa cualidad como parte de su contribución al panorama artístico de su tiempo.
La muerte de Henri Lebasque en Le Cannet en 1937 puso fin a una trayectoria de más de cinco décadas de producción constante, durante la cual mantuvo una fidelidad a ciertos temas y motivos que, sin ser rupturistas, reflejaron su visión personal de la pintura. Las colecciones públicas y privadas que conservan sus obras permiten seguir su evolución desde los años de formación hasta sus últimas décadas, y muestran un catálogo en el que conviven retratos, paisajes, escenas de la vida doméstica y composiciones de exteriores. En todas ellas se reconoce una unidad de propósito y una atención particular a la luz, lo que define el núcleo de su obra y explica su persistente presencia en museos y colecciones hasta la actualidad.