La obra de Julius Kronberg se inscribe en el marco del arte académico, un estilo desarrollado bajo la influencia de las academias europeas que priorizaba la producción de pinturas y esculturas con un énfasis en la maestría técnica sobre el color y la forma. Este enfoque lo llevó a crear piezas altamente pulidas, donde predominaba un carácter idealista en lugar de realista, buscando capturar perfecciones a través de la imitación de tradiciones pasadas fundadas en la observación de la naturaleza. Sus composiciones reflejaban una síntesis de neoclasicismo y romanticismo, con un compromiso por la belleza estética que lo diferenciaba de las tendencias emergentes como el impresionismo y el realismo, que ganaban terreno a finales del siglo XIX.
En sus primeros trabajos, Kronberg mostraba una predilección por colores profundos y oscuros, un rasgo que se acentuaba durante su estancia en Múnich, donde el impacto de Hans Makart se hacía evidente en la audacia colorística y la vitalidad juvenil de las pinceladas. Esta fase inicial destacaba por una osadía en el manejo del pincel que introducía elementos novedosos en la pintura sueca de la época, caracterizada por su cautela. Sin embargo, con su traslado a Roma en 1877, su paleta se transformó hacia tonos más claros y luminosos, inspirados en las obras de Giovanni Battista Tiepolo, especialmente en las pinturas de techo que estudió durante viajes a Venecia y Würzburg. Esta evolución hacia una luminosidad etérea permitía una mayor ligereza en las composiciones, donde los colores se volvían más fáciles y radiantes, contrastando con la densidad anterior.
Los motivos centrales en su producción giraban en torno a temas mitológicos y bíblicos, a menudo entrelazados con elementos de poesía oriental y referencias shakesperianas. Estas elecciones temáticas lo alineaban con el academicismo francés, evocando las aproximaciones de artistas como William-Adolphe Bouguereau y Jean-Léon Gérôme, aunque su amplitud artística lo llevaba a experimentar con modos del Renacimiento, el Barroco y el Rococó. Por ejemplo, en alegorías como la representación de la Primavera, transportada por una cigüeña con amorcillos circundantes, se apreciaba una integración de figuras simbólicas que combinaban lo etéreo con lo concreto, un patrón que se repetía en piezas complementarias como el Verano y el Otoño, donde la repintura en escalas más claras potenciaba el efecto decorativo. Esta inclinación por lo alegórico y lo narrativo mitológico subrayaba una búsqueda de escenas inventadas con concreción extrema, como si emergieran de un vacío histórico, pero ancladas en la tradición de la pintura de historia.
Una característica distintiva de su estilo radicaba en el uso frecuente del formato vertical, que contrastaba con el panorámico habitual en los pintores historicistas. Este enfoque creaba composiciones más densas y concentradas, disolviendo distancias temporales para sumergir al espectador en momentos íntimos de culturas ajenas, un recurso que recordaba al arte prerrafaelita inglés en su capacidad para capturar burbujas temporales. En obras como la muerte de Cleopatra o la reina de Saba, esta verticalidad intensificaba la inmediatez dramática, fusionando elementos opulentos con una narrativa que priorizaba la inmersión sensorial sobre la extensión espacial. Además, su manejo del color se caracterizaba por un tratamiento fastuoso, donde la opulencia en los tonos y la textura confería a las figuras una presencia monumental, aunque en etapas posteriores adoptaba un manejo más sereno y simple, alejándose de la exuberancia inicial hacia una monumentalidad contenida.
Kronberg destacaba en la pintura decorativa, especialmente en encargos arquitectónicos que integraban sus piezas en espacios públicos. Sus plafones en la escalera oeste del Palacio de Estocolmo, con figuras simbólicas representando la religión, la paz, la ciencia y la industria, ejemplificaban esta especialidad, donde el estilo se adaptaba a la grandiosidad del entorno, incorporando influencias de Rubens y Tiziano en la plenitud de las formas y la riqueza cromática. De manera similar, el proscenio con Eros y las diosas del destino en el Teatro Dramático Real, junto con el domo de la Iglesia de Adolf Fredrik que ilustraba escenas de la vida de Jesús, revelaban una habilidad para fusionar lo decorativo con lo narrativo, utilizando técnicas como el sgraffito en frisos con putti juguetones para añadir un toque fantástico y ornamental. Estas obras públicas demostraban su maestría en la adaptación de motivos idealizados a contextos monumentales, donde la dulzura opulenta se equilibraba con una composición estructurada.
La crítica contemporánea a su trabajo variaba, pero a menudo resaltaba su poder imaginativo y su originalidad, cualidades que lo distinguían incluso cuando el estilo de salón historicizante perdía favor ante las nuevas corrientes. August Strindberg, por instancia, elogió una de sus piezas tempranas como un triunfo de la pintura, instando a una adoración ante su ejecución, lo que generaba sensaciones públicas masivas y atraía multitudes a exposiciones. Sin embargo, con el avance del modernismo, su adhesión obstinada a las tradiciones académicas, encapsulada en su lema de preferir enemigos por coraje que amigos por cobardía, lo posicionaba como un artista reaccionario, motivado por una nostalgia que ya no resonaba con las fantasías contemporáneas. Esta percepción lo llevó a un declive en la fama, donde sus motivos mitológicos y bíblicos se veían como kitsch o retrógrados, aunque su compromiso con la belleza idealista y la maestría artesanal persistía como un testimonio de la pintura de salón en su forma más elaborada.
En términos de influencias, Kronberg absorbía de sus maestros suecos como Johan Christoffer Boklund, quien moldeaba su enfoque en la pintura histórica, y August Malmström, junto con breves interacciones con Johan Fredrik Höckert. Más allá, su proximidad a figuras como Lawrence Alma-Tadema durante su período romano enriquecía su tratamiento de temas antiguos, mientras que el estudio de viejos maestros en viajes europeos profundizaba su experimentación estilística. Esta amalgama resultaba en un arte que, aunque enraizado en el academicismo, extendía sus límites hacia lo imaginativo, inventando escenas con una concreción que trascendía meras imitaciones. Su legado en la pintura decorativa sueca se manifestaba en la preservación de sus contribuciones a edificios emblemáticos, donde sus obras continuaban integradas en el tejido cultural, reflejando una era donde el arte académico dominaba antes de ceder paso a innovaciones posteriores.
La fuerza de su imaginación se evidenciaba en la construcción de escenarios concretos a partir de tradiciones, donde lo mitológico cobraba vida con una originalidad que sorprendía por su potencia. Esta cualidad, unida a su evolución cromática y su especialización en formatos y técnicas decorativas, definía un corpus que, aunque olvidado en comparación con contemporáneos como Anders Zorn o Carl Larsson, representaba la culminación de un estilo académico sueco en su vertiente más opulenta y narrativa.