Los artistas suelen tener temas favoritos a los que vuelven una y otra vez. Ivan Aivazovsky pintó el mar, inspirando a toda una generación de artistas románticos europeos.
Ivan Aivazovsky pintó agua como nadie más lo hizo, sus ondas reflejaban la luz y capturaban los destellos más suaves de las estrellas con sus picos cubiertos de espuma. Su asombrosa habilidad para detectar los cambios más pequeños de los mares le valió el título de Maestro del Arte Marino y creó una plétora de leyendas que rodean su nombre hasta el día de hoy. Una de esas leyendas sugiere que compró los óleos del propio William Turner, lo que explica la naturaleza luminiscente de sus colores. Aivazovsky y Turner eran amigos, pero ninguno usaba pigmentos mágicos en sus obras.
Hoy en día, todos los que alguna vez han oído hablar de Ivan Aivazovsky lo asocian con pinturas marinas. Poco se sabe de sus bocetos y grabados, así como de sus paisajes y figuras. Sin embargo, Aivazovsky fue tan versátil como muchos otros pintores románticos de la época. Sus intereses giraban en torno a tramas históricas, paisajes urbanos y las emociones ocultas de las personas. El retrato de su segunda esposa , por ejemplo, desprende las mismas vibraciones de misterio y profunda belleza que su arte marino. Sin embargo, fue su amor por el agua lo que lo acompañó toda su vida. Después de su aceptación en la Academia Imperial de Arte de San Petersburgo en 1833, Aivazovsky simplemente reorientó esa pasión. Después de todo, ¿dónde más se puede encontrar una combinación de agua y arquitectura como en la llamada Venecia del Norte?
Quizás fue la nostalgia de Aivazovsky lo que lo obligó a regresar al mar. O tal vez fue la multitud de colores inolvidables que vería en una ola. Aivazovsky dijo una vez que es imposible pintar toda la grandeza del mar, transmitir toda su belleza y toda su amenaza al mirarlo directamente.
Como la mayoría de los artistas románticos, Aivazovsky representó el movimiento fugaz y la emoción del mundo en constante cambio en lugar de su estructura y organización. Por lo tanto, "Revista de la flota del Mar Negro en 1849" no se enfoca en los pequeños oficiales que se agrupan en la esquina de la obra maestra en expansión. Incluso los barcos que desfilan son secundarios en comparación con la luz y el agua que se dividen en una miríada de colores, mostrando movimiento en una escena ordenada de otra manera.
De alguna manera, ciertas obras del arte marino de Ivan Aivazovsky hacen referencia a "El rapto de Medusa" de Theodore Gericault, creada dos décadas antes. "La novena ola" (una de las favoritas del emperador ruso Nicolás I) refleja la fascinación de Aivazovsky por el drama humano de un naufragio y la desesperación de sus sobrevivientes. El poderoso mar no es más que un testigo insensible. Ivan Aivazovsky experimentó esta naturaleza cruel del mar de primera mano, sobreviviendo a varias tormentas. El mar de Aivazovsky ruge en la batalla pero también contempla cuando la gente se detiene a reflexionar en su orilla.
En su "Torre de Gálata a la luz de la luna" , pintada en 1845, el mar es oscuro y misterioso, al igual que las pequeñas figuras que se reúnen para contemplar los rayos de luz de la luna sobre el agua resplandeciente. Su descripción de la Batalla de Cesme diez años después deja el mar ardiendo con los barcos naufragados y destrozados en el centro de la imagen. Por otro lado, su "Bahía de Nápoles" es tan serenamente pacífica como la pareja que mira las aguas.
Durante su vida, el famoso pintor ruso Ivan Kramskoy le escribió a su benefactor Pavel Tretyakov (el fundador de la mundialmente famosa Galería Tretyakov en Moscú) que Aivazovsky debe haber inventado algún pigmento luminiscente que le dio ese brillo único a sus obras. En realidad, Ivan Aivazovsky utilizó una técnica de veladura y la llevó a nuevas alturas, convirtiendo el método en su marcador definitorio.
El glaseado es el proceso de aplicar capas finas de colores una sobre otra. Un esmalte modifica sutilmente la apariencia de la capa de pintura subyacente, imbuyéndola con la riqueza del tono y la saturación. Dado que Aivazovsky utilizó principalmente aceites para crear sus obras maestras, se aseguró de que los pigmentos nunca se mezclaran. A menudo, aplicaba veladuras inmediatamente después de preparar el lienzo, a diferencia de sus predecesores, que confiaban en el poder matizado de las veladuras al añadir trazos finales a sus pinturas. Los esmaltes de Aivazovsky revelaron capas sobre capas de pintura delgada que se convierte en espuma de mar, olas y rayos de luna sobre el agua. Debido al amor de Aivazovsky por el vidriado, sus pinturas también son famosas por su lenta degradación.
El legado de Aivazovsky todavía resuena. Sus cielos siempre fueron pintados de forma delgada, generalmente en una sesión rápida usando lavados delgados, pero sus mares se aplicaban con pinceles gruesos, trabajando hacia afuera desde un centro de detalle, como un barco, de modo que la visión periférica es más impresionista que detallada. A diferencia de otros académicos del siglo XIX que trabajaban minuciosa y metódicamente sobre un lienzo en detalle preciso, el compromiso de Aivazovsky con el lienzo podía ser mucho más instantáneo, encarnado y visceral en ocasiones. Él impulsaría su cuerpo sobre la superficie, pincel en mano, para crear la fuerza que quería en la pintura. Los visitantes a su estudio informan del esfuerzo físico que ejerció y del agotamiento que a menudo resultaba de trabajar rápidamente y con tanta intensidad física. Si bien las escenas plácidas de Aivazovsky a menudo parecen anticuadas e insulsas ahora, muchas de sus tormentosas vistas marinas todavía bullen con esta energía y fisicalidad. Este compromiso de su propio cuerpo con el acto de pintar, y la visceralidad resultante de sus mares como superficies pintadas, todavía se siente vívidamente vivo y ejemplar de lo que la pintura puede lograr a través de su materialidad
En el apogeo de su fama, Ivan Aivazovsky decidió regresar a su ciudad natal de Feodosia. Se dice que el emperador Nicolás I estaba terriblemente molesto por la decisión del pintor, pero le permitió irse. Al regresar a Feodosia, Aivazovsky estableció una escuela de arte, una biblioteca, una sala de conciertos y una galería de arte. A medida que envejecía, Ivan Aivazovsky nunca perdió el respeto de la Armada rusa. En su 80 cumpleaños , los mejores barcos de la flota atracaron en Feodosia para honrar al pintor.
Irónicamente, las ventanas de su estudio no daban al mar, sino que se abrían a un patio. Sin embargo, Aivazovsky insistió en pintar de memoria los evasivos y bellos poderes de la naturaleza. Y así lo hizo: pintó el mar y respiró el aire salado que entraba por las calles. Una de sus pinturas más famosas y más grandes (que mide 282x425 cm), "Olas" , fue creada en ese estudio por Aivazovsky, de 80 años.
Aivazovsky murió mientras trabajaba en una pintura, su última vista del mar. Entre las muchas cosas que dejó atrás estaba su técnica secreta de vidriado que hizo que sus olas cobraran vida, la fama de ser uno de los primeros pintores rusos en ser reconocido en Occidente, la fascinación por su herencia armenia y su legado académico. Y lo más importante, por supuesto, dejó miles de pinturas, todas ellas una confesión de amor eterno al mar.